VICTORIA CHARLES

La vida y obra de Vincent Van Gogh se hallan tan entrelazadas, que es casi imposible apreciar sus pinturas sin ver reflejada en ellas la historia de su vida: una vida de la que se habló tanto, que ya se ha convertido en leyenda. Vincent Van Gogh es la encarnacion del sufrimiento, un martir incomprendido del arte moderno, el emblema del artista como un extraño.

En vista de la maraña de enigmas, Dalí ha emergido para conquistar el mundo de la pintura, y de esta lucha nos ha traido algo más valioso que el oro: ha abierto nuevos horizontes ante nosotros, pero sobre todo nos ha brindado algo mas tangible, Salvador Dali.

"Pablo Picasso (1881-1973) es considerado por muchos el artista más importante del siglo XX. Nacido en Málaga, Picasso demostró su talento desde una edad muy temprana y se apresuró en tomar contacto con los circulos artisticos mas importantes de su tiempo, primero en Barcelona y posteriormente en Paris. En su modernista busqueda de la novedad, Picasso acudio a la historia premoderna y al arte primitivo para encontrar la inspiracion. A el y a su compañero Georges Braque les debemos la invencion del cubismo, que no se trataba de uno mas de entre muchos movimientos vanguardistas, sino de la corriente estetica que cambiaria la pintura para siempre. Una vez que se libero de los valores tradicionales, Picasso produjo una obra excepcional tanto en terminos cuantitativos como cualitativos."

Cette biographie de Vincent Van Gogh est exceptionnelle. Composée d’un texte réalisé par l’historienne de l’Art, Victoria Charles donne la parole au peintre à travers sa correspondance intime avec so

De Miguel Ángel a Picasso, pasando por Rubens y Degas, el arte erótico ha atraído la atención de muchos grandes maestros, cuyas obras son capaces de cautivar al observador de forma especial. A pesar de esta atraccion, o quiza precisamente debido a ella, el arte erotico nunca ha dejado de suscitar polemica y se ha tenido que defender en muchas ocasiones de comparaciones con la pornografia. Este libro, que engloba una gran variedad de estilos y tecnicas, guia a los lectores desde las primeras representaciones de escenas eroticas, que se remontan a los siglos XVI y XVII, hasta obras contemporaneas consagradas como los dibujos de los cuadernos de Picasso.

Picasso was born a Spaniard and, so they say, began to draw before he could speak. As an infant he was instinctively attracted to artists tools. In early childhood he could spend hours in happy concentration drawing spirals with a sense and meaning known only to himself. At other times, shunning childrens games, he traced his first pictures in the sand. This early self-expression held out promise of a rare gift. Malaga must be mentioned, for it was there, on 25 October 1881, that Pablo Ruiz Picasso was born and it was there that he spent the first ten years of his life. Picassos father was a painter and professor at the School of Fine Arts and Crafts. Picasso learnt from him the basics of formal academic art training. Then he studied at the Academy of Arts in Madrid but never finished his degree. Picasso, who was not yet eighteen, had reached the point of his greatest rebelliousness; he repudiated academias anemic aesthetics along with realisms pedestrian prose and, quite naturally, joined those who called themselves modernists, the non-conformist artists and writers, those whom Sabartes called the elite of Catalan thought and who were grouped around the artists cafe Els Quatre Gats. During 1899 and 1900 the only subjects Picasso deemed worthy of painting were those which reflected the final truth; the transience of human life and the inevitability of death. His early works, ranged under the name of Blue Period (1901-1904), consist in blue-tinted paintings influenced by a trip through Spain and the death of his friend, Casagemas. Even though Picasso himself repeatedly insisted on the inner, subjective nature of the Blue Period, its genesis and, especially, the monochromatic blue were for many years explained as merely the results of various aesthetic influences. Between 1905 and 1907, Picasso entered a new phase, called Rose Period characterised by a more cheerful style with orange and pink colours. In Gosol, in the summer of 1906 the nude female form assumed an extraordinary importance for Picasso; he equated a depersonalised, aboriginal, simple nakedness with the concept of woman...

Picasso era español y por eso, según dicen, comenzó a dibujar antes que a hablar. Cuando niño, se sintió atraído de manera instintiva hacia las herramientas del artista. En sus primeros años pasaba horas en feliz concentracion dibujando espirales con un sentido y un significado que solo el conocia. Otras veces dejaba de lado sus juegos infantiles para trazar sus primeras imagenes en la arena. Tan temprana expresion artistica encerraba la promesa de un raro don. No hay que olvidar hacer mencion de Malaga, pues fue ahi donde, el 25 de octubre de 1881, nacio Pablo Ruiz Picasso, y fue ahi donde paso los primeros diez años de su vida. El padre de Picasso era pintor y profesor en la Escuela de Bellas Artes y Oficios. Picasso aprendio de el los rudimentos del entrenamiento academico formal en arte. Luego fue a estudiar a la Academia de las Artes en Madrid, pero no se graduo. Antes de cumplir los dieciocho años habia llegado al punto de mayor rebeldia; repudio la estetica anemica de la academia junto con la prosa pedestre del realismo y, naturalmente, se unio a aquellos artistas y escritores que se llamaban a si mismos modernistas, a los inconformistas, aquellos a los que Sabartes llamo la elite del pensamiento catalan y que se habian agrupado en torno al cafe de artistas Els Quatre Gats. Durante 1899 y 1900 los unicos temas que Picasso considero meritorios fueron aquellos que reflejaban la verdad final, la fugacidad de la vida humana y la inevitabilidad de la muerte. Sus primeras obras, agrupadas bajo el nombre de Periodo Azul (1901-1904), consisten en pinturas con matices azulados y fueron el resultado de la influencia de un viaje que realizo por España y de la muerte de su amigo Casagemas. Aunque Picasso mismo insistio varias veces en la naturaleza subjetiva e interna de su Periodo Azul, su genesis y, en especial, el azul monocromatico se explicaron durante muchos años como el simple resultado de varias influencias esteticas. Entre 1905 y 1907, Picasso inicio un nuevo periodo, conocido como el Periodo Rosa, que se caracterizo por un estilo mas alegre con colores rosados y anaranjados. En Gosol, en el verano de 1906, la forma del desnudo femenino asumio una importancia extraordinaria para Picasso; identifico una desnudez despersonalizada, original y simple con el concepto de mujer. La importancia que los desnudos femeninos tendrian para Picasso en cuanto a tematica durante los siguientes meses (en el invierno y la primavera de 1907) se hizo patente cuando creo la composicion de una pintura grande titulada Las señoritas de Aviñon. De la misma manera que el arte africano se considera como el factor que llevo al desarrollo de la estetica clasica de Picasso en 1907, las lecciones de Cezanne se perciben como la piedra angular de este nuevo avance. Esto se relaciona, en primer lugar, con la concepcion espacial del lienzo como una entidad compuesta, sujeta a un determinado sistema de construccion. Georges Braque, a quien Picasso conocio en el otoño de 1908 y con quien encabezo el movimiento cubista durante los seis años de su apogeo, quedo asombrado por la semejanza que los experimentos pictoricos de Picasso guardaban con los suyos...

Cézanne fue capaz de transformar una taza de té en algo vivo, elevando el género de naturaleza muerta a un nivel en el que sus elementos dejan de ser objetos inanimados. Wassily Kandinsky dijo de este artista frances: Pinto estos elementos como seres humanos porque poseia el don de adivinar la vida interior que se oculta en todas las cosas. Ademas de las naturalezas muertas de Cezanne, este libro incluye tambien obras de artistas como Van Gogh, Matisse, Chardin y Picasso. Su formato, de gran comodidad, lo convierte en el regalo ideal.

El arquitecto y diseñador español Antoni Gaudí (1852-1926) es una importante e influyente figura en la historia del arte contemporáneo de España. El uso del color, la utilización de diferentes materiales y la introduccion de movimiento en sus construcciones fueron toda una innovacion en el terreno de la arquitectura. En su diario, Gaudi expreso sus propios sentimientos sobre el arte: los colores usados en arquitectura tienen que ser intensos, logicos y fertiles. El autor, Jeremy Roe, utiliza una amplia gama de detalles fotograficos y arquitectonicos que le permiten revelar el contexto del arte de Barcelona mientras nos introduce en el mundo de Gaudi, maestro de algunas de las mas famosas construcciones, objetos de diseño y grandes obras de la arquitectura española. Este libro ayuda a comprender a Gaudi y su legado.

Las flores constituyen el elemento fundamental en la mayoría de las representaciones pictóricas de naturalezas muertas. Al trazar sus formas y colores, numerosos artistas desde Brueghel a O’Keeffe ha

El volumen de Mega Square Escultura abarca más de 23.000 años y contiene más de 120 ejemplos de las esculturas más hermosas del mundo, desde el arte prehistórico y las estatuas egipcias hasta las obras de Miguel Angel, Henry Moore y Niki de Saint-Phalle. Describe la gran variedad de materiales empleados y la evolucion de los estilos a lo largo de los siglos, asi como las peculiaridades de los principales escultores. Su formato practico y compacto lo convierte en un regalo ideal.

Mélange d’eau et de pigments permettant une grande liberté de facture, l’aquarelle sert souvent aux esquisses préparatoires. Albrecht Dürer est l’un des premiers à l’utiliser. Au XVIIIe siècle, les a

Das Aquarell, das lange Zeit als Sekundarmedium des Zeichnens galt, erlebte im 18. Jahrhundert in England ein wahres goldenes Zeitalter. Die Aquarellmalerei im engeren Sinne war jedoch schon als Maltechnik unter Verwendung lasierender Farben seit dem 9. Jahrhundert n. Chr. bekannt und hat sich im Laufe der Zeit kontinuierlich entwickelt. Jede Technik tragt ihr Stilgesetz in sich, und das Aquarell insbesondere ist voller Anspruche an die Kunstler und verlangt kunstlerische Zucht, Konzentriertheit und Sicherheit. Die Aquarelltechnik war lange Zeit der groe Begleiter des Zeichnens. EineMischung aus Wasser und Pigmenten, die groe kunstlerische Freiheit erlaubt, wurde das Aquarell oft fur vorbereitende Skizzen verwendet. Albrecht Durer war einer der ersten, der alle Vorteiledes Aquarells ausnutzte. Im 18. Jahrhundert schufen englische Kunstler daraus ein autonomes, von akademischen Zwangen befreites Medium, eine Entwicklung, die fur nachfolgende Generationen erheblichen Einfluss hatte. Zu den bekanntesten Kunstlern, die Aquarelle geschaffen haben, gehoren Turner, Whistler, Constable, Sargent, Van Gogh, Kandinsky, Klee und Schiele.

La vida y obra de Van Gogh se hallan tan entrelazadas, que es casi imposible apreciar sus pinturas sin ver reflejada en ellas la historia de su vida: una vida de la que se habló tanto, que ya se ha convertido en leyenda. Van Gogh es la encarnacion del sufrimiento, un martir incomprendido del arte moderno, el emblema del artista como un extraño.

Pablo Picasso (1881-1973) es considerado por muchos el artista más importante del siglo XX. Nacido en Málaga, Picasso demostró su talento desde una edad muy temprana y se apresuró en tomar contacto con los circulos artisticos mas importantes de su tiempo, primero en Barcelona y posteriormente en Paris. En su modernista busqueda de la novedad, Picasso acudio a la historia premoderna y al arte primitivo para encontrar la inspiracion. A el y a su compañero Georges Braque les debemos la invencion del cubismo, que no se trata unicamente de uno mas de entre los muchos movimientos vanguardistas, sino de la corriente estetica que cambiaria la pintura para siempre.

Egyptian art is perhaps the most impersonal that exists. The artist effaces himself. But he has such an innate sense of life, a sense so directly moved and so limpid that everything of life which he describes seems defined by that sense, to issue from the natural gesture, from the exact attitude, in which one no longer sees stiffness. His impersonality resembles that of the trees bowing in the wind with a single movement and without resistance, or that of the water which wrinkles into equal circles all moving in the same direction. From afar, Egyptian art seems changeless and forever like itself. From nearby, it offers, like that of all the other peoples, the spectacle of great evolutions, of progress toward freedom of expression, of researches in imposed hieratism. Egypt is so far from us that it all seems on the same plane. One forgets that there are fifteen or twenty centuries, the age of Christianity between the Seated Scribe and the great classic period, twenty-five or thirty centuries, fifty, perhaps twice the time that separates us from Pericles and Phidias between the pyramids and the Saite school, the last living manifestation of the Egyptian ideal. Egypt died of her need of eternity.

“En vista de la maraña de enigmas, Dalí ha emergido para conquistar el mundo de la pintura, y de esta lucha nos ha traído algo más valioso que el oro: ha abierto nuevos horizontes ante nosotros, pero

A symbol of modernity, the Viennese Secession was defined by the rebellion of twenty artists who were against the conservative Vienna Kunstlerhaus oppressive influence over the city, the epoch, and the whole Austro-Hungarian Empire.Influenced by Art Nouveau, this movement (created in 1897 by Gustav Klimt, Carl Moll, and Josef Hoffmann) was not an anonymous artistic revolution. Defining itself as a total art, without any political or commercial constraint, the Viennese Secession represented the ideological turmoil that affected craftsmen, architects, graphic artists, and designers from this period. Turning away from an established art and immersing themselves in organic, voluptuous, and decorative shapes, these artists opened themselves to an evocative, erotic aesthetic that blatantly offended the bourgeoisie of the time.Painting, sculpture, and architecture are addressed by the authors and highlight the diversity and richness of a movement whose motto proclaimed for each time its art, for each art its liberty a declaration to the innovation and originality of this revolutionary art movement.